Galería de cine

JACK LEMMON TRIBUTE

2012-02-15T00:23:00.002+01:00

John Uhler Lemmon III o, Jack Lemmon, como le conocemos, vino al mundo de una forma poco corriente, nació en un ascensor el 8 de febrero de 1925 en Boston, cuando su madre iba al hospital para una prueba rutinaria a los siete meses de embarazo. Su padre era presidente de la Donut Corporation. Jack estudió en la universidad de Harvard, donde se licenció en Arte Dramático en 1947. Después de pasar por Broadway, ser pianista en clubs de jazz y actuar en series de televisión, su primer contrato con el cine, lo firmó con la Columbia Pictures…En 1955 consiguió un óscar como mejor actor secundario con la película “Mr. Roberts” (Escala en Hawai), dirigida por John Ford. Después vinieron sus películas con Billy Wilder: “Con faldas y a lo loco”, “El apartamento”; “Irma la dulce”, también la dramática “Días de vino y rosas”, de Blake Edwards y “La extraña pareja” de Gene Sacks. Así hasta casi 70 películas. Cuando rodó “En bandeja de Plata” (que tenía que compartir con Frank Sinatra), Jack le recomendó a Wilder a un actor que había visto actuar en Broadway, se llamaba Walter Matthau. Lemmon y Matthau fueron a partir de entonces, amigos inseparables, rodaron 5 películas más juntos. Jack Lemmon era un excelente actor, que supo conjugar la naturaleza humana en extraordinarios papeles tragicómicos, envuelto en un halo de sencillez que le hacía próximo. Estuvo nominado al oscar en 8 ocasiones y lo obtuvo 2 veces. Su último papel se lo dió Robert Redford en la pélicula “la leyenda de Bagger Vance” en 2000, una historia que cuenta la vida de un campeón de golf, deporte al que tanto Redford como Lemmon eran muy aficionados.....Jack Lemmon Murió a los 76 años, en Los Angeles el 27 de junio de 2001. Cada vez que le vemos en una película, siempre se nos escapa ¡¡¡ Que grande eres Jack!!!

LA ÚLTIMA DIVA DE HOLLYWOOD

2012-01-12T22:44:00.001+01:00

El pasado año nos dejó, a la edad de 79 años, una de las actrices más bellas y carismáticas que se han asomado a una pantalla de cine: Elizabeth Taylor. Elizabeth Rosemond Taylor, nació el 27 de Febrero de 1932, en Londres, hija de una familia adinerada, a los tres años empezó a tomar clases de ballet, pero sus padres se trasladaron a Estados Unidos cuando comenzó la Segunda Guerra Mundial. Su padre era comerciante de arte, y al trasladarse a Los Angeles, empezó a tener contacto con gente del cine, tenía clientes como Greta Garbo, Vincent Price etc. Desde muy niña entró en el mundo del cine, y a los doce años con "National Velvet" alcanzó la fama, si bien desde los diez años había rodado ” El coraje de Lassie”, con Roddy McDowall. Sus impresionantes ojos violetas, su piel blanquísima, su pelo negro y su belleza le abrieron muchas puertas. Su carrera estuvo marcada por varias etapas: en la primera de ellas (años 40-principios de los 50) sus papeles estuvieron ligados a la transición de niña a mujer que la propia Elizabeth vivía ("Mujercitas", "El padre de la novia",”Ivanhoe”….). La segunda etapa la presentaría como una mujer seductora y despampanante ("La gata sobre el tejado de zinc", "La mujer marcada", “Gigante”, “Un lugar en el Sol”, “Cleopatra, donde conoció a Richard Burton…...).En 1960 obtuvo su primer Oscar por "La mujer marcada". La fama le remitió contratos millonarios pero de poca calidad en las producciones. Su renacimiento llegó con el papel en "¿Quién teme a Virginia Wolf?", al lado de uno de sus maridos, Richard Burton, que le supuso su segundo oscar. Rodó más de 50 películas. Fue nominada, siempre en la categoría de mejor actriz por otras tres películas: "El árbol de la vida" con Montgomery Clift, "La gata sobre el tejado de zinc" con Paul Newman, y "De repente el último verano" con Katharine Hepburn. Elizabeth Taylor se casó en ocho ocasiones, con Conrad Nick Hilton, Michael Wilding,( de quien tuvo dos hijos), Michael Todd (tuvo una hija con él),Eddie Fisher, dos veces con Richard Burton, John Warner y Larry Fortensky de quien se divorció en 1996. En 1992 la Academia le otorga una tercera estatuilla especial, por su labor de ayuda a los enfermos de SIDA. Contribuyó a crear la American Foundation for AIDS Research, luego de la muerte de su amigo Rock Hudson. También creó su propia fundación, Elizabeth Taylor Aids Foundation. De salud frágil, vida tormentosa, rodeada de joyas, hombres y enfermedades (pasó más de veinte veces por el quirófano), el 23 de marzo de 2011 moría en el Hospital Cedars-Sinaí de Los Angeles. Fue enterrada en el mismo cementerio que su amigo Michael Jackson. Se apagó para siempre la maravillosa mirada violeta, de una de las últimas divas de Hollywood, pero, siempre nos quedarán sus películas, para poder admirarla.

EL APARTAMENTO

2011-12-12T15:37:00.001+01:00

”EL APARTAMENTO (1960), es una película excepcional del maestro Billy Wilder, que en apariencia se presenta como una comedia pero, que en esencia, es un drama agridulce, lleno de riqueza en su composición de personajes, con una atmósfera repleta de melancolía, nocturnidad y amargura (magnífica fotografía de Joseph Laselle) y un guión satírico que aborda materias como la deshumanización y explotación laboral, la jerarquía social, la soledad, la infidelidad, la honradez, la dignidad o la búsqueda amorosa. El perfil de los personajes y la ejecución interpretativa de los mismos es asombrosa. Baxter (Lemmon) es lo que se conoce como una buena persona, un hombre amable, íntegro y honesto, quien rara vez tiene una palabra negativa para nadie; trata con respeto a todo el mundo aunque su procedimiento arribista, le provoque una mala y equivocada fama de conquistador y tarambana entre sus compañeros de trabajo y vecinos, hecho que otorga al film quizá el único punto cómico de la historia, ya que su éxito real con las mujeres es nulo y, su situación social es la de una persona solitaria. La actuación de Lemmon, otorga al personaje un cúmulo de matices sensitivos, es grandiosa e insuperable, al igual que la del personaje femenino, encarnado por una joven y soberbia Shirley MacLaine. Fran es una muchacha sensible, también encantadora en el trato humano, enamorada de un hombre casado, lo que le provoca un sentimiento de malestar, incomodidad y miedo ante un futuro emocional poco claro. El último vértice del triángulo está incorporado por Fred MacMurray (Perdición, tambien dirigida por Wilder) en un papel muy poco habitual en su carrera, lo que indica la gran variedad de registros interpretativos de este gran actor. Lo importante en el dibujo de éste personaje (y el de los demás) es que Billy Wilder evita constantemente la caricatura o el comportamiento caprichoso, actuando siempre por motivaciones lógicas, así, las respuestas emocionales del personaje de MacMurray, aunque aprovechadas, pueden ser fácilmente entendibles. Ese acertado diseño de personajes, las sublimes actuaciones, la fluida narración de Wilder, un espléndido guión, y una fotografía y música ideales, hacen de esta película una de las grandes obras maestras.

TAXI DRIVER

2011-11-15T22:42:00.002+01:00

TAXI DRIVER, está dirigida por Martin Scorsese, con guión de Paul Schrader, ( la última tentación de Cristo, Toro Salvaje, etc.) música de Bernard Herrman, ( Ciudadano Kane, Psicosis, Vértigo etc.) y fotografía de M. Chapman, ésta magnífica película de1976, está narrada en 1ª persona por el protagonista Travis Bikle (Robert de Niro), veterano de la guerra del Vietnan, de 26 años que regresa a Nueva York. Trabaja de noche como taxista, por el insomnio crónico que padece. Es ahí en el taxi, donde Scorsese y Schrader nos lo presentan como es, un personaje loco, violento solitario, casi surrealista. Sus intentos de relacionarse con otras personas, sus compañeros del taxi, su angelical Betsy (Cybill Sepherd), Iris (Jody Foster) etc. fracasan, a causa de su torpeza y errores. Sumido en la soledad, su desvarío mental, se agudiza y , sus acciones se apartan de la realidad y de la lógica.. la escena cuando le habla al espejo..Are you talking to me? ( ha pasado a la historia). Travis sustituye los intentos de integración personal, por intentos “quijotescos” de salvación de las personas que admira o aprecia, Iris, prostituta de 12 años, a la que se propone “liberar” de las garras de un Harvey Keitel (que le pidió expresamente, el papel a Scorsese) chulo, macarra, proxeneta, irreconocible y magnífico. A través de los ojosde Travis, (y la cámara del genial Scorsese) el film, muestra el submundo decadente y corrupto de la noche en la gran ciudad; chulos, prostitutas, rateros, ladrones fracasados, criminales, asesinos y similar fauna en la que se mueve el protagonista. Una gran ciudad, sucia, agobiante y sin esperanza, es el escenario que topa frontalmente, con la virtud y la moral. Grandiosa actuación de Robert de Niro, después de interpretar El Padrino II y, a partir de TAXI DRIVER , de Niro ya fue el mito que es hoy. Excelente Scosese que aporta un intenso y magnífico trabajo de cámara, incluída la iluminación expresionista de algunas escenas ( que recuerdan al cine negro clásico), primeros planos magníficos, etc. hay quien dice que aún hoy, es su mejor película.., sin olvidarnos de la musica envolvente y prodigiosa de Bernard Herrmann. La película tuvo 4 nominaciones a los oscars, y consiguió “la Palma de Oro de Cannes”.

SED DE MAL

2011-10-13T20:51:00.008+02:00

Era un buen hombre, pero un pésimo policía". Con estas palabras, dichas por Marlene Dietrich, termina esta maravillosa cinta del gran maestro de la cámara, el inigualable Orson Welles. Con ellas, uno tiene la sensación de haber sido "maravillosamente engañado" por esta libre adaptación de una obra menor como es "Touche of Evil" de Whit Masterton, que Welles reescribió en 15 días, interpretó y dirigió. Un Chalton Heston perfectamente caracterizado, interpretó uno de sus papeles más conseguidos, en la figura del policia Mike Vargas. Fue el propio Heston, quien convenció en 1958, a la industria de Hollywood para que Orson Welles, dirigiera esa película. Más que la historia en sí, (que también) ésta cinta destaca a sobremanera por los inigualables movimientos de cámara, como el plano secuencia del inicio de tres minutos de duración, a través de una grua fija, donde se pone al espectador en antecedentes de esta oscura trama, fotografiada en blanco y negro y de manera magistral por Russell Metty y con la inestimable colaboración de Henry Mancini fusionando ritmos latinos, con jazz y rock. Todas estas loas artísticas, habituales por otra parte, en la filmografía de este genio, no son obstáculo alguno, para presenciar una cinta grande en toda su magnitud. Si a todo ello unimos las espléndidas actuaciones de Heston , una Janet Leigh, sensual, sencilla y sorprendente y una Marlene Dietrich con el pelo negro, convertida en la conciencia de Welles, y sobre todo, la interpretación del propio Welles en su inolvidable personaje de Hank Quinlan, detective xenófobo, grasiento y borrachín, nos encontramos con una fantástica cinta de cine negro y melodrama, de la mano del cineasta más innovador en toda la historia del cine. Un deleite para la vista.

GILDA

2011-09-14T15:24:00.006+02:00

GILDA es un excelente melodrama pasional, con tintes de cine negro, dirigido por Charles Vidor, en 1946. La historia gira alrededor de tres personajes “ambiguos”, Gilda aventurera de oscuro pasado, casada ahora con el dueño de un casino, en el cual recala Johnny Farrel, antiguo amante de Gilda. Entre Gilda y Johnny late un sentimiento de “odio-pasión” reflejado en una relación, que roza el sadomasoquismo. Johnny le es fiel a su jefe por encima de todo y de Gilda (lo que hace que muchos hayan querido ver una base homosexual en esta relación) Esta película forma parte de la “galería de películas míticas”, de Hollywood, es innegable el hipnótico magnetismo de Rita Hayworth en pantalla, le bastó aparecer enfundada en un vestido de satén negro, entonando los acordes(con una voz prestada)de “Put the blame on Mame”, y quitarse un guante como sólo ella sabía, para marcar la educación sexual de toda una generación, por lo menos la española; y elevarse a la categoria de"diosa inmortal de la belleza y la sensualidad". La química que había entre ella y Glenn Ford es otra de las razones que hizo que la pantalla cobrara vida, cada vez que ella movía su radiante y roja cabellera. "Gilda es Rita, es un guante, una canción y una bofetada propinada en el momento álgido de la película". En los años cuarenta se hicieron películas mucho mejores, pero el simbolismo y la estética de GILDA la convirtieron en un mito y en una película única. Obligada revisión.

TRIBUTE ANIVERSARY TO GRACE KELLY

2011-09-08T00:55:00.006+02:00

CLAK GABLE EL REY DE HOLLYWOOD

2011-09-06T22:38:00.002+02:00

TRIBUTE CLARK GABLE (1901-1960)

MOGAMBO

2011-08-11T15:51:00.008+02:00

Excelente película, dirigida por John Ford en 1953. Con Clark Gable, Ava Gardner, Grace Kelly y Donald Sinden. Un cazador que organiza safaris Vic Marswell(Clark Gable), se reencuentra en su pequeño hotel, con la atractiva Eloise( Ava Gardner), ambos mantienen una relación. Llega un matrimonio que ha contratado los servicios de Marswell para filmar gorilas en libertad. La esposa (Grace Kelly) queda impresionada por el maduro cazador y se enamora perdidamente de él. A su vez, Marswell se siente halagado y se cree también enamorado de ella. Eloise (Ava Gardner), contempla esta situación con celos, dolor e incredulidad. Parece que las relaciones entre ambas parejas se van a romper irremediablemente. El doblaje al castellano en 1953, hizo que cambiasen los diálogos de la película para evitar que se produjera adulterio en el argumento, convirtió así, a los personajes de Grace Kelly y Donald Sinden en hermanos, en vez de en matrimonio. “Mogambo" recaudó 5.000.000 de dólares con su estreno y, fue el definitivo lanzamiento mundial como estrella, de Grace Kelly, la futura princesa de Mónaco. La anécdota del doblaje es bastante conocida, pero sabías que MOGAMBO, es un remake de otra tambien protagonizada por Clark Gable en 1932, la película se llamaba ”Red Dust”(Tierra de Pasión), “el rey Gable”, tenía entonces 30 añitos, el director fue Victor Fleming, el papel de Ava Gardner lo interpretó, Jean Harlow la rubia platino símbolo erótico de entonces, y que murió muy joven (a los 27 años), era la segunda película que rodaban, de las 6 que hicieron juntos Jean Harlow y Clark Gable. El papel de Grace Kelly, lo interpretó una actriz que se llamaba Mary Astor, entonces era bastante famosa,”El Halcón Maltés” con Humphrey Bogart, la recodareis, por el papel de “madre”, de Mujercitas (1949), dirigida por Melvyn Le Roy. Mientras Mogambo, transcurre en Africa, Red Dust, transcurre en Indochina.

APOCALYPSE NOW

2011-07-06T22:00:00.013+02:00

Hay películas que te tocan el alma, y después ya no eres el mismo/a, ésta es una de ellas; pero empezaré por contaros brevemente, las dificultades por las que atravesó Francis Ford Coppola (que perdió quince kilos durante el rodaje) para encontrar a los protagonistas de su película “Apocalypse Now”, éstas dificultades superan a las de cualquier película conocida… El rodaje en Filipinas, fue casi un infierno, duró dos años en condiciones terribles…la película cuenta cómo el capitán B. Willard es enviado a Vietnam, para localizar y dar muerte al coronel Kurtz (Marlon Brando), un ex boina verde que ha creado su propio ejército y es adorado por los nativos (por cierto, Brando llegó a Filipinas sin saberse el guión, tardó quince dias en aprenderse los díalogos "Soy la estrella, de cualquier película en la que esté", solía decir Brando)….Para el papel de Willard, Coppola pensó en Al Pacino, pero éste le dijo que no, a lo que Coppola le recordó que él lo había hecho famoso muldialmente, con El Padrino, 1ª y 2ª parte, dicen que se enfadó tanto ante la negativa, que tiró por la ventana del jardín sus 5 oscars y que se le rompieron 4!!…el papel de Willard y el de Kurtz, fueron rechazados también por Jack Nicholson, Robert Redford y Steve Mc Queen… Al final el reparto quedó así: Marlon Brando, Dennis Hopper, Robert Duvall, Frederick Forrest y, un joven y desconocido Martin Sheen que interpretó magistralmente al capitán Willard, la película se estrenó en 1979, tuvo seis nominaciones a los oscars, aunque sólo obtuvo dos: mejor fotografía y mejor sonido, ganó La Palma de Oro de San Sebastián……Para muchos, es la mejor obra bélica que se ha filmado, para otros, es una película mítica, una obra maestra escalofriante, y sobrecogedora.

El cartero siempre llama dos veces

2011-06-09T21:39:00.006+02:00

El cartero siempre llama dos veces”, ¿quien no conoce ésta película? Mujer joven y atractiva quiere deshacerse como sea de su marido, que le dobla la edad y para ello utilizará al primer hombre ingenuo, que pueda seducir, ésta es basicamente la historia. Está la versión de Tay Garret (1946), con Lana Turner y John Garfield, que ya ha pasado a ser uno de los clásicos del cine negro, o la más reciente dirigida por Bob Rafelson (1981), con Jessica Lange y Jack Nicholson , y su famosa y morbosa escena de sexo encima de la mesa de la cocina. Pero, aún hay una primera versión, anterior a estas dos, y nada menos que realizada por Luchino Visconti en 1943; entonces, era ayudante de dirección de Jean Renoir, y éste puso en sus manos la novela de James M. Cain “El cartero siempre llama dos veces”. Se trataba de un adulterio y un asesinato pasional, un argumento clásico del cine negro, la llamó “Ossessione” (Obsesión), fue la primera película de Visconti, y se convirtió en un hito del cine europeo. La manera en que Visconti crea tensión erótica, con cortes precisos pero haciendo que la acción siga su curso fatal e impresionante, de manera que el asesinato no se vea, es genial. En la Italia fascista de entonces el cine narraba historias de héroes enaltecidos. Así la “opera prima” de Visconti desprendió críticas en las que aparecía por primera vez la palabra “neorrealismo”.

Casablanca

2011-05-13T21:48:00.007+02:00

Amores imposibles, frases legendarias: "tócala Sam, toca 'el tiempo pasará' ”, una canción inolvidable, unos protagonistas que pronto se convirtieron en mitos, un oscar a la mejor película (1942), otro para el mejor director: Michael Curtiz (Navidades Blancas, Capitán Blood), la banda sonora de Max Stainer, un guión que se iba reescribiendo, a medida que iban rodado cada día. Todo parece increíble: el papel Rick Blaine tenía que ser para ¡Ronald Reagan! (afortunadamente, no fue así ), el de Ilsa Lund..le costó aceptarlo a Ingrid Bergman, (menos mal), un presupuesto de película “menor”, que se iba disparando a medida que avanzaba el rodaje, al final La Warner le dio manga ancha a Curtiz. La historia es una metáfora: un héroe (Bogart), pretende mantenerse al margen en el gran conflicto bélico; y se debate entre ayudar ha su antigua amante (Bergman), que simboliza el bando aliado, o dejar que los nazis atrapen a su marido (Paul Henreid), que simboliza la libertad; el “ bar de Rick”, podría ser Europa.Curtiz rodó dos finales distintos, y se decantó por el más inesperado: Bogart pasa a ser un “perdedor” que sacrifica su amor por la “causa justa”.”Siempre nos quedará parís”, dice antes de que ella suba al avión (fotografía sublime). Después de despegar, se adentran entre las brumas de la noche el malvado Claude Rains y Honofre Bogart, mientras suena la frase: “presiento que éste puede ser el comienzo de un bella amistad”. La película Casablanca está rodeada de toda una aureola que la ha convertido en el clásico por excelencia de la cinematografía mundial.

Alguien voló sobre el nido del cuco

2011-04-15T12:22:00.010+02:00

Si una película representa un antes y un después en la carrera de Jack Nicholson, esa es: ”Alguien voló sobre el nido del cuco”, dirigida por Milos Forman, que aquí estuvo tocado por la mano divina, la misma que tocaría a Michael Douglas a la hora de decidirse a producir esta joya, pocas veces se ha visto algo así en el cine, y si además se le suma la persona que mejor ha sabido encarnar la locura, el resultado no podía ser menos que genial. Basada en la novela de Ken Kesey, "Alguien voló sobre el nido del cuco" se convirtió en 1975 en una de las mejores películas de todos los tiempos. Con un reparto que literalmente se sale, sobre todo Jack Nicholson que lo borda. Muy bueno también el papel que hizo Louise Fletcher, el personaje femenino más frío de la historia del cine, después del ama de llaves de "Rebeca, encarnando a la estricta enfermera Ratched, y empezando un joven Dani de Vito. Milos Forman roza la perfección, consiguiendo escenas realmente emocionantes, apoyada por una maravillosa banda sonora de Jack Nitzsche, que hace reir y llorar, la película es una historia sobre la locura, la amistad, y sobre todo "la libertad". SI la ves, se te queda en la memoria para siempre…es sublime, genial estremecedora, sobre todo el final que no voy a contar, pero que es perfecto…y sobrecogedor. Ganó los 5 oscars principales de la academia: Mejor película, director, guión adaptado, actor y actriz.

La jauría humana

2011-04-08T21:19:00.010+02:00

LA JAURÍA HUMANA (The Chace) es una de as mejores películas de Arthur Penn, recientemente fallecido, donde retrata a la perfección, la lucha de clases, la envidia, el culto al dinero…todo va embruteciendo el sueño americano. Quizá el mejor trabajo, o uno de los mejores de Brando, encarnando a un hombre íntegro que no está dispuesto a renunciar a sus principios frente a toda una manada de lobos que son el resto de pueblo. Está genial, tan sólo con su presencia y su contenida actuación, incluso cuando hace algún gesto fulminante, sale bien parado. Un convicto (Robert Redford) huye de la cárcel acusado de un dudoso crimen. La impersonalidad de la masa, en su pueblo natal, junto con el alcohol, el miedo y la inquietud inicial, se convierten en una ira y un odio, que acaban explotando en un linchamiento final. Acompañado de un excelente reparto con actores de la talla de Robert Duvall, Angie Dickinson, Jane Fonda o Martha Hyer, Brando personifica la figura del héroe solitario a la perfección. Muy buena película que merece la pena revisarse.

El hombre del brazo de oro

2011-04-04T22:52:00.005+02:00

"El hombre del brazo de oro" (1955), es uno de los más desgarradores dramas de Otto Preminger, que aborda con crudeza un tema tabú en la época; la adicción a las drogas. Soberbio reparto, buen guión, y maravillosa banda sonora. Estamos sin duda ante el mejor trabajo de Sinatra en el papel de Frankie Machine, no canta, apenas puede con sus huesos, compungido, enfermo, pero con una insuperable fuerza de voluntad, en una interpretación que demuestra el talento sin límites que tenía. Portentosa Eleanor Parker en el papel de su desequilibrada esposa, y “mágica” como siempre está Kim Novak. Es una película que se desarrolla en un ambiente heredero del expresionismo, sombrío y de claroscuros, decadente, un “thriller” que va envolviendo la película en una atmósfera de tensión y desesperación... Sin aliento deja la escena de Sinatra en pleno ataque por su falta de dosis. Es una película que habla de la adicción, del amor, de la amistad, de la fuerza de voluntad, de la ayuda, de lo peor y lo mejor del hombre. Genial.

Desayuno con diamantes

2011-04-04T22:39:00.006+02:00

Basada en la novela "Breakfast At Tiffany's" de Truman Capote, quien por cierto escribió la novela pensando que la protagonista sería Marilyn Monroe, pero el genial y recientemente fallecido Blake Edwards, no la veía para éste personaje, le costó convencer a Capote, pero al final la elegida fue Audrey Hepburn. La acción tiene lugar en el Nueva York de 1960. Audrey Hepburn (Holly Golightly) y George Peppard (Paul Varjak), son dos seres desarraigados, que sobreviven en un mundo de lujo, ocultando intimidades de marginación y prostitución. Están profundamente insatisfechos, atrapados en un mundo falso, y sin futuro. La pasión por las joyas y la obsesión por encontrar un marido rico, mantienen a Holly en un estado de aturdimiento que le permite seguir huyendo de si misma. Paul, más reflexivo, cae en la cuenta de su error. Los intentos de Paul acerca de Holly dan lugar a unos diálogos llenos de matices y de complejidades de gran interés. La obra está punteada de un humor jovial e irónico. La música, de Henry Mancini, se apoya en una partitura que enriquece el sentido del humor, la desesperación de los personajes y el ambiente festivo de los partys. Incluye la canción "Moon River". La fotografía es de Franz Palmer. El vestuario de Hepburn es de Givenchy, magnífico. La interpretación de Hepburn es magistral en el papel más complejo de su carrera. Película deliciosa, rica en ambigüedades, sutilezas y buen humor.

Un icono llamado Mae West

2011-04-04T22:25:00.005+02:00

Sexy, guapa, inteligente, descarada, provocadora, irreverente… éstas son

algunas de las palabras que la describen. Mae West, ( Mary Jane West), (1893-1980) fue la niña mala del Hollywood de los años treinta y, está considerada la primera mujer fatal y sex-symbol de la historia del cine. Con su cara traviesa, su cuerpo de formas contundentes, pero sobre todo, con su agudo ingenio y su mordaz lengua, consiguió revolucionar a la beata sociedad norteamericana de entonces. Ella era la escenógrafa y guionista de sus interpretaciones y siempre elegía a sus compañeros de reparto, algo que raramente se concedía a las demás actrices (entre otros, le dió la primera oportunidad, nada menos que a un jovencísimo Cary Grant, recién instalado en Hollywood). Reina de la ironía y los dobles sentidos, estás son algunas de las frases que la hicieron famosa: "Cuando soy buena, soy muy buena, pero cuando soy mala, soy mejor", "las chicas buenas van al cielo, las malas a todas partes", "lo bueno en exceso puede ser maravilloso", "cuando tengo que escoger entre dos tentaciones , siempre escojo la que nunca he probado antes", "por la mañana trabajo para la Paramount y por la noche para la Fox", sólo se vive una vez, pero si lo haces bien, con una vez puede ser suficiente". Con altibajos en su carrera pero siempre inquieta y vitalista, Mae West hizo su última película con 85 años y en 1980, falleció con 87 años, en Los Angeles. Mae West apareció en la portada del legendario álbum Sargent Pepper's Lonely Hearts Club Band, del grupo británico The Beatles. Una curiosidad, cuando Dalí fue a Nueva york, la conoció en una fiesta y quedó tan impresionado, que le diseñó su apartamento, todo de blanco, como su piel, dijo, y tambien creó un sofá rojo en forma de labios, que después se ha hecho mundialmente famoso, en forma de cojín, cama, etc. y que todos conocemos.

Cadena perpetua

2011-04-04T01:30:00.005+02:00

Partiendo de un relato de Stephen King, en “Cadena Perpetua”, Frank Darabont, nos regala una película excelente, contada de forma perfecta, como si se tratara de un cineasta experimentado, cuando en realidad es su primera película. Es un drama carcelario de los mejores, en el cúal podemos ver todas las virtudes y miserias humanas (injusticia, traición, corrupción, brutalidad, sadismo, resignación (no rendición), reflexión, ilusión, lucha, constancia, superación personal, amistad fraternal, esperanza, etc. Todos los actores están soberbios, desde el alcaide hasta el último de los reclusos. De hecho es como una fábula, pues teniéndolo todo perdido, el protagonista nunca pierde la esperanza, ni la confianza en sí mismo, ofreciéndonos un final, que te deja clavado en la silla, o butaca. Los personajes principales, están perfectos tanto Tim Robbins (en su papel de Andy Dufresne), como Morgan Freeman en el de Red, su gran amigo, en el que siempre confía, y el especial trabajo de James Whitmore, como el recluso, que lleva tanto tiempo dentro del penal, que ha perdido su identidad, y no sabe vivir fuera de él. Amigos, si alguien no la ha visto, que no espere mas. Es una película redonda, una perfecta obra maestra, con una banda sonora maravillosa de Thomas Newman.

Imitación a la vida

2011-04-02T21:01:00.005+02:00

La última película de Douglas Sirk fue el paradigma insuperable del melodrama, la culminación absoluta a una filmografía grandiosa, de un estilo y elegancia para captar emociones, sublimes. "Imitación a la vida" es la obra maestra del melodrama de los 50, dónde la cursilería posible, se hace arte, dónde el sentido expresivo y dramático del autor de "Escrito sobre el viento", alcanza cotas formidables, dónde la progresión dramática está medida con diapasón hasta un estallido al que es imposible resistirse, dónde la plasticidad alcanza su más alta categoría. Secuencias como la del entierro de la formidable actriz Juanita Moore tal vez sea el momento más emocionante, mientras Mahalia Jackson canta el espiritual negro “Trouble Of the World. El trato que se hace del problema racial como telón de fondo para un feroz y majestuoso análisis de la condición humana, resulta irrepetible. Es un film perfecto, una joya imperecedera con la que llorar no es un acto ridículo, sino la posibilidad de limpiar nuestros cansados ojos de cine inerte, con cine que zarandea, arrasa, te vive y te revive. Imprescindible re-visión.

Chicago

2011-04-02T20:59:00.005+02:00

Chicago es la adaptación cinematográfica de una comedia musical de notable éxito en Broadway, creada por el coreógrafo Bob Fosse, se distingue por estar ambientada en la época del jazz y los felices años 20. Los protagonistas son dos delincuentes y un abogado del "hampa", el más famoso de Chicago, tan mezquino y deleznable, como encantador y carismático. La dirección y coreografía de la película son de Rob Marshall : hay números muy logrados, como el "Cell block tango" o "All that jazz". Lo mejor de la película sin duda es el trabajo de una Catherine Zeta Jones incandescente, mirando con descaro a la cámara y meneando con soltura el esqueleto. Richard Gere está bien en las partes en las que no canta, tiene el valor que quizá otros no tendrían a pesar de tener una voz poco agraciada para el canto, y si es necesario, igual te baila un número de claqué, lo cual dice mucho en su favor. Renée Zellweger, que es la primera vez que se enfrenta a un musical, se esfuerza y se consolida como una de las actrices más camaleónicas de ese momento. La fotografía es una de las mejores que he visto. Los números musicales y la coreografía son excelentes. Tiene 6 premios de la Academia, incluído mejor película y mejor actriz secundaria. Para verla y disfrutarla.

70 años de "Ciudadano Kane"

2011-04-02T20:56:00.008+02:00

Ciudadano Kane, es cine en mayúsculas, probablemente ésta sea la película que mejor ha envejecido, quizá porque Welles utilizó recursos estilísticos que aún hoy, están a la orden del día, Porque una narración, cuando es perfecta, es perfecta, tenga 5 ó 70 años. Welles quería contar la vida del magnate W. Randolph Hearst, precursor del amarillismo en la prensa, llegó a tener 28 periódicos, diversas emisoras de radio, multitud de revistas, productoras de cine, mandó construir una mansión, a la que llamó Xanadú, llena de obras de arte, joyas y lujo. Como no contaba con su autorización, ni muchísimo menos, Welles tuvo que cambiar el nombre de su personaje por Charles Foster Kane. Kane sufrió de ésta patología, amasó una fortuna, forjó un imperio económico sin igual, cautivó a la sociedad con su discurso y su manera de ver las cosas, se sintió poderoso y se rodeó de gente vacía, superficial y materialista. Lamentablemente, se dió cuenta tarde de su error, exactamente en su agonía, cuando pronuncia la palabra clave “Rosebud”, que mantiene al espectador pegado a la pantalla desde el principio hasta el final. La banda sonora de Bernard Herrmann es imperecedera, mágica, técnicamente deslumbrante. Cine en estado puro. Una obra maestra.